Lo siento, no tengo mucho tiempo en este momento para escribir una respuesta detallada (estaré por aquí más tarde) pero quiero enfatizar esto:

Coherencia en la tonalidad.

Hoy no tenemos ni idea de qué toma se editará contra qué otra toma y sé por experiencia personal que mezclar esa consistencia en el sonido de producción ahorra horas de tiempo para los editores / mezcladores de diálogos.

Por esto, significa que 2 personas que tienen una conversación entre sí que sabes que se editarán juntas de un lado a otro, pero que pueden recibir disparos con horas de diferencia para tener una distancia relativa similar del boom / lav. No quieres a alguien con efecto de proximidad y alguien lejos del micrófono.

Haz tu tarea. Mire para ver qué puede ser necesario para la sesión y tráigalo, como la respuesta que dio Edward. Nunca se sabe lo que sucederá o lo que se le pueda pedir.

Yo personalmente nunca retrocedo ni comprometo la calidad ni una pulgada. Si considera que lo que captan sus micrófonos es el 90% de lo que apagan los altavoces del teatro, esta es una estimación correcta de la importancia para la producción de sonido. No te dejes "intimidar" en el set. Lucha por tu calidad de sonido. Si no lo hace, es como si el director de fotografía dijera "Bueno, las luces realmente no podían acercarse demasiado al sujeto hoy, así que tendremos que volver a filmar las escenas que filmamos hoy". El análisis cuidadoso de Avatar y The Hurt Locker me llevó a creer que los Oscar de sonido fueron para The Hurt Locker porque el sonido de producción fue fenomenal (solo ADRed 4 líneas o algo así en los personajes principales).

En mi experiencia en ADR, a menos que esté trabajando con un actor brillante, el sonido de producción original SIEMPRE será la mejor entrega por parte del actor. También se sincronizará mejor, coincidirá con la proyección, coincidirá con la emoción que el actor tiene en su rostro, PORQUE ES EL ORIGINAL. Disculpe, pero creo que el hecho de que tenga que hacer ADR en el 98% de una película es una crítica para el equipo de sonido de producción (a menos que haya sonidos del clima o ambientales sobre los que no tenga control, como aviones, océano, lluvia, etc.). , hacer ADR para una escena de conversación en interiores en un escenario de sonido es absolutamente factible para mantener el sonido de la producción.

Obtenga líneas salvajes de los actores cuando estén parados: coordine con el director antes de tiempo. Obtenga algunas líneas salvajes que ni siquiera son parte del guión que cree que podría necesitar, y gruñidos de esfuerzo y demás, para que los tenga en una biblioteca para ese actor. Sé que The Hurt Locker usó muchas líneas y fragmentos de palabras de otras tomas que no se usaron en la película. Esto es, por ejemplo, el actor maldiciendo porque está frustrado, o los esfuerzos por hacer algo físico, etc.

Haz crecer los ojos en la parte posterior de tu cabeza: el mejor operador de boom que he conocido (se dice que es el mejor en el negocio) caminó hacia atrás sin perder de vista el micrófono y el actor mientras pasaba por encima de los cables, los generadores y el equipo mientras caminaba hacia atrás; si tropezaba, habría arruinado la escena.

Manténgase alerta. Especialmente cuando estás filmando en película. La película es extremadamente cara cuando tienes que volver a tomar cosas. Es mucho más caro que el espacio en el disco duro o los DVD cuando graba en HD.

Ejercite los brazos, especialmente al hacer banca inclinada. Compra un micrófono ligero. El Schoeps CMIT 5U pesa posiblemente menos de una cuarta parte del peso de un SM57 estándar. En realidad, pesa tanto como un bolígrafo caro. Eso puede ayudar a que tu brazo se fatiga enormemente. Si no me cree sobre la importancia de ejercitarse y poner los brazos en forma, intente pintar el techo con un rodillo, o simplemente levante las manos y los brazos por encima de la cabeza. ¡¡ES CANSANTE !!

Conviértete en inventivo. Los micrófonos son pequeños y pueden ocultarse en otros lugares que no sean en un poste de auge. Ponlo dentro de una planta. Ponlo dentro de la gorra de béisbol de alguien. Averigua inteligentemente cómo microfonear a alguien en bikini. Siempre revisa una escena de antemano si tienes tiempo y calcula la mejor posición del micrófono.

Ahora más que nunca, con el rodaje multicámara es más importante coordinar con los camarógrafos y el director en exactamente donde puede estar y aún estar fuera de cuadro debido al encuadre transversal que ocurre. A veces puede haber 4 cámaras funcionando a la vez y necesitas saber exactamente dónde estarán para poder permanecer fuera del encuadre.

EDITAR: Olvidé mencionar un punto importante, y es que debes tenga mentas para el aliento en todo momento. Si estás hablando con alguien, estarás muy cerca de él. Siempre tenga a mano pastillas de menta o chicle en el bolsillo cuando vaya a ponerle una solapa a alguien con quien se va a acercar mucho.

Primero, graban diálogos, idealmente, grabarán diálogos utilizables, para hacer esto debes mantener tu micrófono relativamente cerca del actor, así que si fuera a ser un boom, definitivamente mostraría para cualquier sesión de bloqueo. Es posible que esté seleccionando qué micrófonos está usando, o puede depender del mezclador de sonido de producción, y puede que esté colocando micrófonos lav. Lo cual puede ser complicado cuando trabajas con una atractiva periodista o actriz.

Definitivamente estaría grabando el tono de la sala antes de que el set se llene. Si tu mezclador de sonido de producción se olvida de hacerlo y les dices que lo obtuviste antes de que aparezcan, te amarán por ello.

Es posible que se espere que traigas tu propio equipo, no siempre Cuente con las personas que lo contraten para tener equipo. Si no tiene equipo, siempre puede alquilarlo. Nunca vayas a un set sin equipo a menos que te hayan dicho que lo hagas, si no tienes equipo y estás llamando a la gente, avísales. Estoy bastante seguro de que una buena manera de mancillar tu reputación rápidamente es aparecer en un set sin micrófonos cuando quieren filmar en unas pocas horas. Además, si una persona del vestuario se presenta para meterse con alguien, bueno, el vestuario, revisa los micrófonos lav. A ellos no les importan tus micrófonos, solo les importa cómo se ven los actores, por lo que es probable que hayas desplazado los lavs.

Los niveles pueden ser ajustados por ti (si tienes tu propia grabadora atada a tu pecho , o de otra manera en usted), o el mezclador de sonido de producción.

Manténgase alejado de la toma, esté atento a los cables alrededor del set (son una buena manera de tropezar y golpear un micrófono en la cabeza de alguien) y mira las sombras de tu boom. Son fáciles de olvidar, pero si estás trabajando en el set, mira la iluminación.

No soy un boom op, simplemente he optado por algunos estudiantes universitarios de cine, así que si dijo algo estúpido, todos son libres de corregirme.

Tener una buena operación de auge es tan importante (si no más importante que) tener un buen mezclador de producción. Ser una buena operación boom requiere talento y experiencia. Habiendo realizado el trabajo yo mismo (o intentado hacerlo) y habiendo trabajado con grandes operaciones de auge como mezclador de producción, tengo un gran respeto por una buena operación de auge. Siempre que un cineasta me pide consejo sobre el sonido de producción, siempre les digo que busquen y contraten a un buen operador de boom.

El trabajo requiere fuerza, agilidad, paciencia y una gran capacidad de observación. Un buen operador sabrá las fortalezas y debilidades del micrófono que están moviendo (distancias, ángulos, patrones de captación). Las operaciones de auge también se benefician de la comprensión de la iluminación (cuidado con las sombras), las lentes y el encuadre. Las habilidades de comunicación son clave ya que el boom op puede necesitar actuar como la cara y la voz del departamento de sonido cuando se trata de otros actores y equipo en el set (el mezclador puede estar escondido en otra habitación).

Solo para agregar un poco de lo que escuché y experimenté es que sí, las operaciones de auge generalmente están ahí para grabar el diálogo del talento lo más limpio y claro posible, ya que todos saben que ADR a veces se siente tan poco natural. El resto de los sonidos son creados por artistas de Foley, artistas de SFX, etc. Los operadores de boom tienen muchas cosas a tener en cuenta: temperatura (sube aire caliente, gotas de aire frío, esto afecta el diálogo), la reverberación de la ubicación, la ubicación de los micrófonos para que obtenga las mejores grabaciones de diálogo, Verificando que la sombra del boom no sea en la toma, asegurándose de acercarse lo más posible con suficiente espacio para dejar que el sonido respire y no tener un boom en la toma como lo que he visto en muchas películas de nollywood, asegurándose de que el ambiente dentro y alrededor de la ubicación es muy silencioso tener grabaciones claras.

Las personas que se inician cuando se toma la foto tienen un efecto en el tono de la habitación. Si uno toma el tono de la habitación cuando hay una o dos personas y luego toma la grabación de la toma cuando hay muchas más personas presentes, hay un cambio importante en el tono de la habitación, lo que normalmente he hecho es tomar el tono de la habitación justo antes. están listos para disparar con más o menos la misma cantidad de personas presentes durante las fotografías. La reverberación se puede colocar en la publicación, pero sacarla cuando no lo desea es mucho más difícil cuando se trata del inicio de la grabación. Entonces, aunque algunas personas no están de acuerdo, los operadores de boom tienen un trabajo muy difícil de hacer en el inicio.

Entrar tarde en esta discusión. Los buenos boom ops son como bailarines. Poder adelantarse al actor también es clave. Puede resultar muy complicado si un operador de boom se ve obligado a seguir al actor, por lo que es importante comprender cómo se comporta y se mueve un actor. Comprenda el trabajo de los pies, observe los hombros y trate de predecir los giros de la cabeza.

La mayoría de las producciones no tienen el lujo de un segundo operador, por lo que uno debe aprender a balancear y no fallar. Muchas técnicas como la relajación después de poner al actor en el eje desde más lejos aseguran una pista de producción con un sonido más suave. Entonces sí, un buen operador de boom no solo debe ser como un bailarín, debe tener el instinto de un buen actor; para acercarse, retroceder, cronometrar las respuestas, moverse con gracia y golpear las marcas, y aprender sus líneas y señales.

Las buenas operaciones de boom también hacen amistad con el operador de cámara y el técnico. Solo para que puedan ayudar a alguien cuando las cosas se pongan un poco difíciles. Las operaciones de auge son las que conectan a los actores. Así que confíe en los actores y los disfraces.

La mejor manera de entrenar para ser un boom op (y valoro todos esos meses de limpieza de cables) es ser el tipo del cable. Seguir y observar a un operador experimentado mientras se asegura de que no tropiece con sus cables es la mejor manera de aprender el trabajo. Es aprender a caminar de nuevo.

Todo esto es básico. Trabajar alrededor de pilares, caminar hacia atrás en pasillos con accesorios colgantes, trabajar con lentes de gran angular, todo viene con experiencia. Comprender cómo funciona la iluminación es útil, también lo es comprender las lentes y los volúmenes. La mayoría de las veces, las tomas parecen más complicadas de lo que resultan ser. Siempre hay un lugar óptimo para que el operador se pare. Y, por favor, aprenda a sostener el poste correctamente, comprenda dónde está su centro de gravedad y no se ponga regularmente en posturas elegantes en las que tenga que lanzarse o estirarse torpemente.

Vístase apropiadamente. Colores oscuros siempre que sea posible y ropa que permita movimientos rápidos. Mis mejores inversiones fueron en cagoules y un par de bonitos guantes de golf. Obviamente, las zapatillas chirriantes sobre suelos de vinilo son un error.

Tenga cuidado al trabajar con niños pequeños y animales. Alternativamente, pueden distraerse o aterrorizarse con los parabrisas peludos que se balancean.

En analogía, el operador de la pluma hace lo que hace el extractor de enfoque. Colocará el micrófono frente al actor para capturar correctamente (enfocar) el diálogo evitando también cualquier ruido. Debe conocer perfectamente el diálogo para poder pasar de un actor a otro. Se vuelve difícil cuando los actores improvisan y ahí es donde la experiencia entra en juego. Puede decir desde segundos antes cuándo el actor hablará o se volverá. Eso también requiere una gran concentración. También debe conocer las lentes. Qué tipo de montura crea cada una de las lentes. La diferencia entre un 50 y un 85, por ejemplo. Tiene que evitar cualquier fuente de luz para que el poste de la pluma o el micrófono no creen ninguna sombra en el marco. Se mueve como se mueven los actores cuidando de no generar ruidos. ¡Es el ninja del set que "baila" con los actores!

El siguiente enlace es un excelente ejemplo de una operación de auge de primera clase.

texto del enlace

@Mark, @ Justin, Un arnés simplemente se interpondría en el camino. En el set tienes que ser muy ágil, equilibrando el "baile" como lo menciona Anand. A menudo, está creando una coreografía en constante cambio con su operación de cámara y su tirador de enfoque, así como con la empuñadura de la plataforma rodante, la plataforma rodante y / u otras empuñaduras que pueden estar protegiendo el viento para un operador de cámara, posiblemente sosteniendo una tarjeta de rebote grande al lado una cámara en movimiento e incluso un equipo eléctrico que podría tener que bailar contigo sosteniendo una plataforma de luz especial extendida en un poste (la mayoría de las veces necesita colocar la luz cerca de donde quieres tu micrófono de escopeta), y también tienes una decoración fija, etc, etc ...

Como puede ver, la cámara puede estar muy llena durante una toma, por lo que sus dos primeros objetivos siempre deben ser conocer su entorno y hacer amigos con su equipo en el set. Me gusta adoptar el enfoque de que la cámara es clave, el sonido es soporte. Ambas posiciones son tan importantes para la producción como la otra, pero dado que el objetivo de la cámara es capturar los estímulos visuales (lo que vende la película), nuestro objetivo debe ser darles el derecho de paso y tomar el asiento trasero mientras capturamos la película. "esencia" de ese elemento visual con un fuerte enfoque de apoyo utilizando una técnica bien pensada de manejo del brazo, micrófono de planta y una técnica creativa de micrófono lav. Puede parecer una locura, pero obtienes mucho más margen de maniobra en el set por parte de tu equipo cuando haces espacio para tu otro equipo de apoyo en lugar de luchar por tu lugar perfecto para el boom; recuerde, su pértiga se extiende. Por supuesto, debes asegurarte de que no se aprovechen de ti, y ahí es donde hacer amigos a través de la etiqueta y la amabilidad se convierte en tu ventaja.

Por ejemplo, debes estar en el set tanto como sea posible para ver los ensayos (a menos que te digan que te vayas a un ensayo privado entre el director y el elenco; nunca dejes que te digan que te vayas si no es un ensayo privado_ en algún lugar bajo presupuestos que intentan decir el sonido que no son necesarios para los ensayos del equipo porque piensan que todo lo que hacemos es colocar un micrófono en la habitación y estamos bien: NO ES BUENO), y lo más importante es ver al director de fotografía y Gaffer crear la escena con luces, así como lo que Key Grip está haciendo que su equipo esté configurado para banderas, rebotes, sedas, etc. (no olvides la decoración de tu set). Si tienes una idea general de cómo los actores van a interpretar la escena (no siempre actúan la escena exactamente como se ensayó) y sabes dónde van a jugar todas tus luces, banderas, rebotes y pantallas, así como donde se coloque su set dec, tendrá la oportunidad de crear su propio flujo de trabajo de antemano determinando posibles áreas de sombra, lugares donde puede quedarse atrapado detrás del equipo, áreas donde puede interferir con los movimientos de cámara necesarios, etc. Si mantiene esto como su enfoque, llegará al punto en el que puede permanecer en la escena con la ubicación de su micrófono, pero estar completamente fuera del camino de su tripulación y fuera de la luz. Tu director de fotografía notará que estás pensando (y respetando) sus decisiones creativas, tu agarre y equipo eléctrico apreciarán tu preocupación por su arduo trabajo, tu dec de set se alegrará de que no rompas cosas en el set y en el Al final, estarán dispuestos a dejar espacio para que trabajes cuando las cosas se pongan feas. Me hice amigo de John Toll, el piloto en auge de Breaking Bad, solo porque estaba en el set cada vez que él dirigía a su equipo de iluminación y de maestro. No siempre fue fácil conmigo, pero se aseguró de que tuviera el tiempo y el espacio que necesitaba para conseguir mi mejor posición cuando las cosas se ponían feas. Me divertí mucho aprendiendo mientras lo veía trabajar; un gran director de fotografía.

En lo que respecta a la cuestión de varios operadores de boom durante una escena, sí, sucede si la producción permite que su mezclador tenga un tercero (Sound Utility / Cable Guy) en su equipo de sonido. La cantidad de personas en una escena no es la razón principal para tener un segundo boom en el set, sino el movimiento total y la ubicación de los actores y sus líneas durante la escena. Lo que quiero decir es que puedes tener una escena con cuatro o cinco personas sentadas alrededor de una mesa con un montón de diálogo y conseguirlo todo con un solo boom, sin cables ni micrófonos de planta. Aquí es donde estar en el set para todos los ensayos y leer su guión (además de repasar sus lados) vale la pena. Conocer el diálogo y cómo los actores interpretan la escena te da suficiente comprensión de cuál será la ubicación del micrófono y las señales, incluso si los actores lo cambian y lo improvisan. Te convertirás en una parte tan importante de la escena como ellos, sin embargo, tomarás el asiento trasero como la base de apoyo que solidifica los estímulos completos, la esencia y la experiencia del todo; cosas muy divertidas y geniales! Es posible que tenga otra escena con dos personas diciendo solo unas pocas palabras, pero estarán a 20 pies o más entre sí hablando justo por encima de los niveles de susurro. Su utilidad de sonido tendrá un segundo boom sobre quien sea que el mezclador de sonido determine que debe hacerlo, y ambos proporcionarán la sustancia de una escena muy impactante y emocional; es simplemente increíble. Puede haber otra situación en la que casi estás corriendo con el mástil extendido 3/4 hacia afuera y tienes que guiar a tres actores a través de dos puertas y luego por un pasillo hasta un pasillo donde se separan y terminan la escena con un 360 pan de grado; ¿Quién sabe qué puedes hacer entonces? He disparado esos disparos a menudo y son muy divertidos. Su tiempo invertido en ayudar a su equipo de cámaras con el espacio y el movimiento y el esfuerzo para aprender los límites de la gira con la iluminación que DP crea con su equipo eléctrico valdrá la pena enormemente. Todos comen una hamburguesa en el almuerzo y hablan de lo loco que fue el último trago.

El objetivo es permitirse aprender y ser flexible en el set todos los días. Ayuda en lugar de obstaculizar. Tengo muchos buenos amigos de agarre porque ayudé a un puñado de ellos a llevar una plataforma rodante por una pendiente empinada de 15 pies cuando estaban cortos de personal. Los mismos agarres me ayudan cuando lo necesito hoy, y los ayudé con esa plataforma hace 5 años. Estás haciendo películas, pero al final estás haciendo amigos para toda la vida que algún día verás recibir grandes premios. Amo hacer películas y amo lo que hago, pero amo a la gente con la que hago esto mucho más.

E. Santiago